Stillleben (Ich gehöre Samuel Fastlicht) ist eines von vielen Stillleben-Gemälden von Frida Kahlo. Dieses ist Teil von zwei Gemälden, die für Dr. Fastlicht, ihren Zahnarzt und einen Freund von ihr und Diego Rivera, in Auftrag gegeben wurden. Das Gemälde zeigt eine Reihe von Zitrusfrüchten und tropischen Früchten, die einen scheinbar keramischen Hund umgeben. Der Hund hat auch eine extrudierte Schale über seinem Kopf, auf der ein Stück Obst sitzt. Hinter der Frucht sehen wir, was wie die mexikanische Flagge aussieht. Ihre Verwendung von Farbe in diesem Gemälde ist verspielt und voller lebendiger Farben. Zitrusfrüchte und Melonen sind in leuchtenden Rot-, Grün-, Orange- und Gelbtönen zu sehen. Einige Früchte, wie die Wassermelone, werden in Scheiben geschnitten, um mehr Details zu zeigen, wie die Samen und die weißen und roten Farben, die in einer Wassermelone zu finden sind. Beachten Sie die eingekerbten schwarzen und weißen Samen in der Wassermelone. Die Unebenheiten und Kanten rund um die Oberfläche sind realistisch.
Magnolias ist ein Stillleben, das 1945 von einer der größten Künstlerinnen Mexikos, Frida Kahlo de Rivera (1907-1954), geschaffen wurde, die auch eine prominente kommunistische politische Aktivistin ihrer Zeit war. Das Kunstwerk ist Öl auf Masonit-Hartfaser und hat Abmessungen von 57 cm Breite und 41 cm Höhe. Es ist heute Teil der Sammlung Balbina Azcárraga in Mexiko-Stadt, der Hauptstadt Mexikos. Kahlo folgte in dieser Arbeit dem Stil der sogenannten Naiven Volkskunst (Primitivismus). Die meisten ihrer Gemälde im Stilleben-Genre wurden von der natürlichen Schönheit ihrer geliebten Heimat inspiriert. In diesem Bild fängt sie sehr gut die frische und saubere Schönheit des Magnolienbaums oder -strauchs mit ihren großen, typisch cremefarbenen und wachsartigen Blüten ein, die als Zierpflanzen weit verbreitet sind. Die Tugend der Magnolien liegt in der Tat hauptsächlich in ihrer Einfachheit, ergänzt durch ihre nicht so offensichtliche tiefere symbolische Bedeutung. Die Magnolienblüte steht traditionell für Würde und Adel, zwei Hauptprobleme, mit denen Mexikos indigene Völker in einem postkolonialen politischen Umfeld konfrontiert sind.
Dies ist ein eindringliches Gemälde, auf dem sowohl die Gebärende als auch das geborene Kind tot erscheinen. Der Kopf der Gebärenden ist in ein weißes Tuch gehüllt, während das Kind, das dem Mutterleib entsteigt, leblos erscheint. Zu der Zeit, als Kahlo dieses Werk malte, war ihre Mutter gerade gestorben, so dass die Vermutung nahe liegt, dass es sich bei der verhüllten Totenfigur um ihre Mutter und bei dem Baby um Kahlo selbst handelt (der Titel unterstützt diese Lesart). Allerdings hatte Kahlo auch gerade ihr eigenes Kind verloren und sagte, dass sie die verhüllte Mutterfigur sei. Die Schmerzensjungfrau, die über dem Bett hängt, deutet darauf hin, dass es sich um ein Bild handelt, das von mütterlichem Schmerz und Leid überquillt. Aufschlussreich ist auch, dass Kahlo in ihrem Tagebuch neben mehreren kleinen Zeichnungen von sich selbst schrieb: "Diejenige, die sich selbst geboren hat … die das wunderbarste Gedicht ihres Lebens geschrieben hat". Ähnlich wie die Lithografie Frida und die Fehlgeburt (1932) zeigt Meine Geburt, wie Kahlo um den Verlust eines Kindes trauert, aber auch die Kraft findet, aus diesem Trauma heraus kraftvolle Kunst zu schaffen.
Meine Geburt wurde auch kurz nach Kahlos Fehlgeburt geschaffen, und viele glauben, dass das Gemälde ihre Gefühle und Emotionen über den Verlust ihres eigenen Kindes darstellt. Das Gemälde entstand auch nicht lange nach dem Tod von Kahlos Mutter, vielleicht ist das verdeckte Gesicht der gebärenden Mutter also auch ein Zeichen des Respekts für ihre kürzlich verstorbene Mutter. Dieses Gefühl der Trauer wird auch durch das Gemälde dargestellt, das über dem Geburtsbett hängt, das der Jungfrau der Schmerzen, die die Szene beobachtet, die sich vor ihren Augen abspielt, aber sie ist machtlos, etwas dagegen zu tun. Sie kann weder helfen noch aufmunternde Worte sagen. Meine Geburt hat die Kunstgemeinschaft sehr gespalten, und viele Kunstliebhaber haben sich entschieden, das Gemälde nicht zu mögen. Die Sängerin Madonna hingegen liebt das Gemälde und nutzt es, um herauszufinden, ob die Menschen in ihrem Leben wirklich ihre Freunde sein können. Wenn sie das Gemälde genauso lieben wie sie, dann werden sie ihr Freund fürs Leben sein.
Es ist eines der schönsten Selbstporträts, die Frida je geschaffen hat. Es ist ein leidenschaftlicher Ausdruck ihrer tiefen Liebe zur Natur und ihres unermüdlichen Wunsches, Kinder zu zeugen. Das Porträt zeigt Khalo, wie sie das Land ernährt, indem sie eine Rebe zeugt, obwohl sie keine Wurzeln hat, da sie in ihrem Schoß verwurzelt ist. Außerdem haben die Stängel dieser Rebe keine Dornen. Vielmehr haben sie dreizehn blattlose Stiele, um Kahlos Verluste darzustellen. Kahlo hatte ihren Vater verloren, Fehlgeburten erlitten und sich nach dem schweren Unfall, den sie im Alter von 19 Jahren hatte, vielen Operationen unterzogen, um verschiedene Bereiche ihres Körpers zu reparieren. Es erklärt, warum die Rebe aus ihrem gebärmutterlosen Körper wächst und sich auf den Betrachter zubewegt, als ob wir die Quelle der Hoffnung oder des Lichts wären. Frida richtet einen teilnahmslosen Blick auf den Betrachter, um den Betrachter dazu zu bewegen, sich ihrer misslichen Lage zu stellen. Die meisten Selbstporträts von Frida sind Ausdruck von Schmerz, emotionaler Frustration und Enttäuschung.
Sie erklärte dies mehrere Jahre nach Fertigstellung des Stücks persönlich. Das Blut, das unter dem Neugeborenen gefunden wurde, könnte eine Verbindung zu Kahlos jüngster Fehlgeburt sein. Das Gemälde entstand auch kurz nach dem Tod ihrer Mutter – könnte das tatsächlich die symbolische Rolle des Lakens auf dem Gesicht der Frau sein? Es gibt einige Beweise dafür, aber sie behauptete auch in ihren Tagebüchern, dass sie selbst sich selbst zur Welt brachte. Vielleicht sollten wir ihre anderen Gemälde untersuchen, um die Elemente in dieser Szene zu verdeutlichen.